Kazuhiro Tanimotoはジェネラティブアーティストで、材料の研究開発に携わる化学者でもあります。彼はコンピュータの独自の計算能力を活用して、物理的な素材とデジタル素材、永続性と一時性、サイエンスとアートを融合させた表現を発展させてきました。特にコードを用いた音響視覚表現に焦点を当て、技術、自然、人間の心に関連するテーマを描いています。関西大学で工学博士号を取得しており、科学研究とアート制作を密接に関連する活動と捉えています。その作品は、VA HUB（台北）、NFT Rio（リオデジャネイロ）、Art Blocks Gallery（マーファ）、東京国際フォーラム（東京）、アリゾナ州立大学、Arroz Estúdios（リスボン）、および第21回文化庁メディア芸術祭（東京）など、世界各地で展示されています。

Libby Heaney博士は、労働者階級出身の受賞歴をもつアーティストであり、量子科学の博士号および専門的な研究経歴をもつ。量子コンピューティングを実際の芸術的メディウムとして用いた世界初のアーティストである。 ヒーニーの作品実践は、量子物理学に内在する非二元的でハイブリッドな概念、そして非線形的な時間性を探求するものである。彼女は、VR（仮想現実）、ビデオゲーム、映像、水彩、ガラス、そして近年では公共彫刻といった多様なメディアを、AIや量子コンピューティングのような最先端技術と組み合わせている。これらを通じて、夢のような美学を創出し、存在や現実の本質に関する哲学的な問いを投げかけつつ、人間的で親密かつ身体的な感覚を保っている。量子に着想を得たモンスター、ハイブリッド、スライム、その他流動的な形態は、彼女の作品に繰り返し現れるモチーフであり、個人的な物語や感情的風景と、外的世界の影響を絡み合わせている。「滲出（Ooze）」は、潜在性・変容・生と死、動的なものと静的なものの境界の曖昧さを象徴するものとして登場する。有機的なもの、機械的なもの、人間的なものを横断しながら、ヒーニーの実践は「量子的な不合理の魔術」を通じて、個と集合の可能性を拡張することを試みている。同時に、資本主義的テクノロジー利用への批評的なクィア化を行っている。主な個展に、バーゼルのHEKで開催された「Quantum Soup」、ロンドンのサマセット・ハウスでの「Heartbreak & Magic」、ベルリンのLAS Art Foundationでの「Ent-」などがある。2024年には、初のアーティスト・モノグラフがHatje Cantz社から出版され、Frieze Sculpture（ロンドン）にも参加した。量子とアートの分野におけるパイオニアとして、ヒーニーは世界各地のシンポジウムやパネルで基調講演を依頼されており、ニューヨークのMuseum of the Moving Image、光州ビエンナーレ・シンポジウム、ロンドン・スカルプチャー・ウィーク、バルセロナのSonar+Dなどで登壇している。2025年には、ロンドンのオーリアン・ハウス・ギャラリーにて個展を開催予定であり、その中ではターナー生誕250年およびユネスコ「量子科学技術年」に合わせ、J.M.W.ターナーの作品も展示される予定である。

Deborah Tchoudjinoffは、映像と彫刻という二つのメディアを横断して活動しており、作品はしばしばインスタレーションの形で発表される。彼女の関心は、作品制作における「物質的アプローチ」と「デジタル的アプローチ」との対話に向けられている。たとえば、彫刻作品がデジタル形式の3Dモデルへと変換されたり、逆にデジタルの3Dモデルが物理的な彫刻として再構築されたりする。この往還的な手法を通じて、彼女は「ワールドビルディング（世界構築）」や「フィクションの生成方法」を探求し、作品の美学はそのプロセスの中から立ち現れる。チュージノフは、異世界的、霊的、想像的なビジュアル・モチーフから強く影響を受けており、しばしば概念的な枠組みから制作を始め、素材的・視覚的な実験を通じて作品の形態を見いだしていく。金属、木材、拾得物などを用いて静的または動的な彫刻を制作してきたほか、映像作品では多様なデジタル技術を用いている。彼女の実践の基盤には、「テクノロジーが時間性や想像力にどのように関与しうるか」という問いへの好奇心がある。チュージノフは2016年にロイヤル・カレッジ・オブ・アートを修了し、現在はロンドン芸術大学（UAL）のロンドン・カレッジ・オブ・コミュニケーションにおいて、エマージング・テクノロジーの講師を務めている。彼女の作品は、リスボン建築トリエンナーレ第6回展（2022）、ヴィクトリア＆アルバート博物館（2019）、テート・エクスチェンジ（2019）、および「Five Heads (Tavan Tolgoi): Art, Anthropology, and Mongol Futurism」（2018）などで展示されている。また、2020年にはYouFab Global Creative Awardsのファイナリストに、2024年にはAesthetica Art Prizeのロングリスト・アーティストに選出された。

Gretchen Andrewは、アートとテクノロジーを通じて権力構造を操作する画家でありハッカーである。彼女の独自の実践は、Googleでの勤務経験と、画家Billy Childishに師事した正式な絵画修業に由来している。伝統的な油彩技法と情報システムや新興技術を融合させることで知られ、デジタル時代における「美」「影響力」「権威」を形成する構造を批判的に問い直し、操作するために、さまざまなメディアを横断して活動している。彼女の代表的シリーズ《Facetune Portraits》では、美学・AI・アルゴリズムによる可視性の交錯を探究している。初期には、検索エンジン操作を用いたインターネット介入的作品やコンセプチュアルな実践によって注目を集めたが、批評的・制度的評価を確立したのは、古典的絵画技法とデジタル的転倒（subversion）を融合させた独自の手法によるものである。2025年には、アメリカン・ホイットニー美術館が《Facetune Portraits》シリーズから2点を永久収蔵作品として取得し、美術館委員会による全会一致の支持を受けた。これまでに、リンツのフランシスコ・カロリナム美術館、モントレー美術館、ロンドンのアンカ・カルティス・ギャラリーで個展を開催し、ベルリン・アート・ウィークやパリ・フォトでも特集展示が行われている。また、ロンドン・ナショナル・ギャラリー、ガゼリ・アートハウス、18thストリート・アーツ・センターなどでアーティスト・イン・レジデンスを務め、ナイト財団や全米芸術基金（NEA）などから助成を受けている。思想的リーダーとしても知られ、テート・モダン、シカゴ大学、ヴィクトリア＆アルバート博物館などで講演を行ってきた。彼女の作品はホイットニー美術館、21cミュージアム・ホテルズ、モントレー美術館などに収蔵され、『Artforum』『Vogue』『Flash Art』『CNN』など主要メディアでも広く取り上げられている。

Primavera De Filippiは、ハーバード大学のアーティストであり法学者として、アート・法律・テクノロジーの交差領域を探求している。特にブロックチェーン技術や人工知能（AI）がもたらす法的・政治的な含意に焦点を当てている。彼女の芸術実践は、研究から得られた主要な洞察を物理世界に具現化するものであり、暗号通貨によって「餌を与えられる」ことで進化し自己増殖する、ブロックチェーンを基盤とした生命体を創造している。彼女の作品は世界各地の美術館・ギャラリー・アートフェアで展示されており、その主な会場にはアルス・エレクトロニカおよびフランシスコ・カロリナム（リンツ、オーストリア）、HEK（バーゼル）、ケイト・ヴァス・ギャラリー（チューリッヒ）、ファーザーフィールド・ギャラリー、ガゼリ・アートハウス、キネティカ・アートフェア（英国）、ポンピドゥー・センター、グラン・パレ、ガイテ・リリック、ル・サンクアトル、アートヴァース（パリ、フランス）、パラッツォ・チポッラおよびヴェネツィア・ビエンナーレ（イタリア）、フォート・メイソン・センター・フォー・アーツ＆カルチャー（サンフランシスコ）などが含まれる。また、アート・ドバイ、バーニングマン（ネバダ）、フュージョン・フェスティバル（ドイツ）、シネスシア（ポルトガル）などの国際アートフェアや、オンラインギャラリーのフェラル・ファイル（Feral File）でも紹介されている。

Matt DesLauriersは、カナダ出身で現在ロンドンを拠点に活動するアーティストであり、その作品はジェネラティブ・アート、アルゴリズム、そして創発的システムを主題としている。彼のジェネラティブ作品はロサンゼルス郡立美術館（LACMA）の永久収蔵品となっており、これまでにサマセット・ハウス、パリ・フォト、台北市立美術館（MoCA Taipei）、アート・バーゼルなど、国際的に幅広く展示されている。DesLauriersはオープンソース・コミュニティに積極的に関わっており、ワークショップや講義など教育活動も盛んに行っている。特にロンドン大学ユニバーシティ・カレッジ（UCL）バートレット建築大学院において、修士課程の「クリエイティブ・コーディング」モジュールの指導を担当している。

Helen Knowles（1975年生）は、拡張的な映像表現を扱うアーティストである。彼女の実践は、非物質性と生命の交差領域を探り、テクノロジー、AI、非人間的存在をめぐる責任・自律・倫理の問題に焦点を当てている。Knowlesは、地球的（プラネタリー）視点からデジタル世界を考察し、先住民族コミュニティ、医師、科学者、法律家、暗号技術専門家、受刑者など、さまざまな協働者とともに活動している。彼女のパフォーマンスや映像作品は、言説がもつ関係的・生成的な性質に焦点を当てている。また、Knowlesは「バース・ライツ・コレクション（Birth Rites Collection）」のキュレーターでもあり、このコレクションは現在ケント大学に所蔵されている。近年の主な展示として、ギャラリー・ノース（ニューカッスル, 2025）、サイエンス・ギャラリー（ロンドン）、ハーキュリーズ・ロード・ギャラリー（ロンドン）、ヒュンダイ・モーター・スタジオ（北京, 2023）、アルバータ芸術大学、リューネブルク大学（2022）、ハノーファー・プロジェクト「What Will Be」、クンストハウス・グラーツ「Virtual Station」（ソウル, 2021）、アー・バイト・ギャラリー（ロンドン）、アルス・エレクトロニカ（リンツ, 2020）、森美術館「Future and the Arts: AI, Robotics, Cities, Life – How Humanity Will Live Tomorrow」（東京）、NEMOフェスティバル（パリ104）、ベルリン司法・消費者庁、「Artistic Intelligence」（ハノーファー・クンストフェライン, 2019）、Impakt Festival「Los Algorithmos Suaves」（バレンシア）、ポツダム映画博物館（2018）、「Zero Recoil Damage」（フォークストン・トリエンナーレ）、「Open Codes」（ZKMカールスルーエ）、「Codex」（D21ライプツィヒ）、「The Trial of Superdebthunterbot」（ザブルドヴィッツ・コレクション, ロンドン, 2017）、「Gender Generation」（ロイヤル・カレッジ・オブ・アート）、「Between the Lines」（GRADロンドン）、「Under Construction」（モスクワ, 2016）、「Collaborate」（オリエル・シカース, 2015）、「Private View: Public Birth」（GV Artロンドン, 2013）、「Goldsmiths Women’s Library」（2013）、「Life Is Beautiful」（ギャラリー・デッドフライ, ベルリン, 2012）、「Digital Romantics」（ディーン・クラフ・ギャラリー, 2012）、「Walls are Talking」（ウィットワース美術館, 2010）などが挙げられる。彼女の作品は、クンストハウス・グラーツ、治安判事機構、ウィットワース美術館、オールドハム美術館、テート・ライブラリー＆アーカイブ、英国国立美術図書館、ジョアン・フラッシュ・アーティスト・ブック・コレクション（シカゴ美術館）、母性博物館（ニューヨーク）、バース・ライツ・コレクション、MMUスペシャル・コレクションなどに収蔵されている。レジデンシー歴としては、トレレックス・レジデンシー（スイス, 2019）、Fault Lines／Future Everything（2017–2019）、HMPオルトコース刑務所（リバプール, 2017）、モスクワ現代美術研究所（ICA, 2015）、サンタフェ芸術研究所（ニューメキシコ, 2013）、ジョドレルバンク科学センター＆植物園（1999–2001）などがある。彼女はアーツ・カウンシル・イングランドおよびアマチュアズ・トラストの助成を受けており、アルス・エレクトロニカ2020で名誉言及を、また《YouTube Portraits Series》（2012）の2作品に対してネオ・アート・プライズおよびグレート・アート・プライズを受賞している。2025年には、ジャーマン・ムービング・イメージ・プライズのノミネートを受けた。

アート・コレクティブ「terra0」は、さまざまなプロジェクトを通じて「経済」と「生態」がいかに絡み合うかを探求している。2015年の結成以来、terra0は生態系そのものが経済的主体となりうる可能性を研究し、集合的所有という概念に取り組んできた。彼らの初期作品《terra0 whitepaper》（2016）は、センサーとスマートコントラクトを用いて自ら伐採許可を販売し、最終的に資本を蓄積する「自己運用型の森」という構想を提示した。その後の作品群は、このホワイトペーパーで提起された理念を再検討・発展させ、新たな所有形態を支える新興技術の可能性、そしてそこから生じる多様なエージェンシー（主体性）のあり方を中心に据えている。今日に至るまでterra0の実践は、文化と法における自律性と主体性の問題、新たな所有の分配構造、市場資本主義の内外における自然界への眼差しといった問いを提起し続けている。

Yoshi Sodeokaは、ビデオ、GIF、プリントなど、様々なメディアとプラットフォームを革新的に探求することで知られるアーティスト。彼のネオサイケデリックなスタイルは、音楽への深い愛情を持つそのバックグラウンドを直接的に反映している。ノイズ、パンク、メタル、プログレッシブロックといった音楽文化からインスピレーションを得て、彼は複雑で意識を変容させるビジュアルを包含する独自の芸術的ビジョンを確立してきた。その芸術的実践は、デジタルビデオフィードバック、映像サンプリング、オンライン画像、そしてコラボレーティブなオーディオサウンドスケープの魅惑的な融合で構成され、没入型の感覚体験を生み出している。 Sodeokaの創造的な旅は、ファインアート、Metallica、Psychic TV、Tame Impala、Oneohtrix Point Never、Beck、The Presets、Max Cooperなどの著名なアーティストとの音楽コラボレーション、The New York Times、Wired、The Atlantic、M.I.T. Technology Reviewといった著名な出版物のためのエディトリアルイラストレーション、そしてAdidasやNikeなどのファッションブランドとのパートナーシップ、AppleやSamsungなどの業界大手の広告プロジェクトなど、複数の芸術領域にわたる。 Sodeokaの作品は世界的な評価を獲得し、ポンピドゥー・センター、テート・ブリテン、クリーブランド美術館、Deitch Projects、La Gaîté Lyrique、ムービング・イメージ美術館、ボルチモア美術館、ラフォーレミュージアム原宿など、世界中の名高い会場で展示されてきました。彼の芸術的貢献は、ホイットニー美術館、ムービング・イメージ美術館、サンフランシスコ近代美術館など、権威ある機関の永久コレクションに収蔵されている。 横浜で生まれ育ち、1990年代にアートへの情熱を追求するためニューヨークに移住。プラット・インスティテュートに入学。それ以来、彼はニューヨークを拠点とし、同市の活気あるアートシーンにおいて強固な存在感を確立している。

sensoriumは、インターネット1996ワールドエキスポジションの日本ゾーン・テーマパビリオンとして1996年1月1日にウェブ上で公開されたプロジェクト。会期終了後もsensorium.orgに発表場所を移し活動を継続したが、現在は活動を終了。「全地球を覆う神経網としてのインターネットの可能性を拡張し、生きた世界を感じるしくみをつくること」をコンセプトに活動を行った。メンバーは竹村真一、西村佳哲、東泉一郎、島田卓也、江渡浩一郎らを中心に、文化人類学者、デザイナー、プログラマー、音楽家など多彩な職種から構成され、プロジェクトごとに小規模なチームで制作を行った。1997年、アルスエレクトロニカ賞.net部門Golden Nicaを受賞。